Dpto. Didáctica de la Expresión Musical, Plástica y Corporal17https://uvadoc.uva.es/handle/10324/11422024-03-28T23:03:36Z2024-03-28T23:03:36ZCapriccio para flauta solo, de Gerhard: entre tradición y dodecafonismoVillar Taboada, Carlos Joséhttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/669902024-03-28T20:00:33Z2023-01-01T00:00:00ZLa trayectoria musical de Roberto Gerhard (1896-1970) es una de las más singulares entre los compositores de su tiempo. Formado tempranamente con Granados, se convirtió en el último gran discípulo de Felipe Pedrell (1841-1922) –maestro de Albéniz, Granados y Falla–, quien le inculcó los valores de un nacionalismo musical español asentado sobre el conocimiento de tres pilares: el patrimonio histórico musical, el folclore de tradición oral y la puesta al día con los lenguajes de las vanguardias contemporáneas. Precisamente desde tal afán, a su fallecimiento buscó un nuevo modelo, que halló en la figura de Arnold Schönberg (1874-1951), de quien fue su único discípulo directo nacido en España. Conoció al maestro vienés cuando este comenzó a experimentar con su método dodecafónico, basado en la serie de doce notas.
Con un posicionamiento estético próximo al entorno generacional del 27, retornó a España para traer a Barcelona a Schöenberg y Webern al festival de la Sociedad Internacional para la Música Contemporánea (1936), pero su proximidad a la Segunda Repúblca propició que, tras el estallido de la Guerra Civil, emprendiese un exilio que lo condujo hasta el Reino Unido, donde continuó desarrollando su carrera. Allí produjo una obra crecientemente experimental y reconocida, donde, no obstante, late un casi constante debate identitario entre sus distintos referentes artísticos.
De su capacidad para integrar en un lenguaje sumamente personal los diálogos con músicas del pasado, los ecos de las diversas tradiciones folclóricas españolas y una original lectura del método dodecafónico es fruto un conjunto de composiciones donde, especialmente durante los años cuarenta y cincuenta, puede rastrearse su transición desde postulados más marcadamente vinculados al nacionalismo españolista de corte neoclásico hacia un vanguardismo arraigado en el empleo de la serie. Testimonio de ese proceso de transición entre el apego por la tradición enraizada en el pasado histórico y la puesta en práctica de procedimientos propios del dodecafonismo inspirado en la Segunda Escuela de Viena es su Capriccio para flauta sola, de 1949.
Se propone un estudio analítico de esta composición consecuente con lo antedicho, persiguiendo poner de relieve cuáles son sus rasgos más incardinados en la tradición y cuáles son las características más claramente deudoras de la técnica dodecafónica. Con tal fin, desde el marco de la logoestructura, modelo analítico propio, en proceso de desarrollo, metodológicamente se plantea un análisis en varias fases. La primera, selecciona los ítems más destacados en una aproximación paramétrica. A continuación, se buscan elementos asociados a los planteamientos tradicionales, acudiendo a la Topic Theory propuesta por Ratner, Agawu, Hatten, Monelle y Mirka mediante el tópico –y paratexto– de “capricho”. Finalmente, se usan fundamentos de la Pitch-Class Set Theory de Forte y del análisis dodecafónico según Perle para el examen de la armonía atonal y los procedimientos constructivos basados en un particular tratamiento de la serie.
El resultado de esta exploración buscará situarse respecto a las investigaciones de referencia sobre la música de Gerhard, a cargo de Diego Alonso Tomás o Leticia Sánchez de Andrés, entre otros.
2023-01-01T00:00:00ZPostmodernismo e intertextualidad: la fantasía como tópico en la música de José Luis TurinaVillar Taboada, Carlos Joséhttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/669892024-03-28T20:00:28Z2023-01-01T00:00:00ZLa música compuesta por José Luis Turina de Santos (Madrid, 1952) se ha valorado como un buen ejemplo de postmodernismo musical español debido a su eclecticismo, su tendencia a las re-lecturas del pasado musical y la integración de elementos técnica y poéticamente heterogéneos en una descripción irónica del canon musical, al que revisita. Sus obras actualizan significados que surgieron hace siglos por medio de la cita y de la metamúsica y siguen mecanismos tradicionales, identificados como tópicos, para preservar la comunicación con el público.
Este artículo tiene como objetivo el análisis de tres composiciones que comparten esta perspectiva, de evidentes implicaciones intertextuales, desde la teoría de los tópicos. Más concretamente, examina en la música de Turina la consideración de la fantasía como un tópico postmoderno, por cuanto funciona para redefinir su diálogo con el pasado a través de un lenguaje ecléctico expresado como un juego intelectual. Así, se analizan la Fantasía sobre «Don Giovanni», para piano a cuatro manos (1981), y las orquestales Fantasía sobre una Fantasía de Alonso de Mudarra (1989) y Fantasía sobre doce notas (1994), que, respectivamente, se refieren a la ópera clásica homónima, escrita por Mozart, una pieza renacentista para arpa, y tanto la técnica de la Segunda Escuela de Viena como el abuelo del músico, Joaquín Turina —otro compositor también reconocido, compañero generacional andaluz de Falla—. En estas composiciones dialógicas se verifica un triple giro creativo (de género, timbre y estilo) que añade nuevos significados a los originales. Al enfatizarse cómo impacta sobre su significado el tópico de la fantasía, se explica cómo tras las estrategias compositivas que articulan estas piezas recientes puede detectarse una sensibilidad postmoderna.
2023-01-01T00:00:00ZEstudio y Edición crítica de: Juan de Urrede "Nunca fue pena mayor"Aguirre Rincón, María Soterrañahttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/668202024-03-19T20:00:44Z2016-01-01T00:00:00ZSe estudia a través de las fuentes -testimonios escritos- conservadas de "Nunca fue pena mayor" la riqueza de sus interpretaciones musicales, evidenciando la libertad con la que se concebía la obra musical en el temprano renacimiento. Además se evidencian rasgos distintivos de los cancioneros que la contienen.
2016-01-01T00:00:00ZTocata de batalla: un análisis semiótico a través de los tópicos musicalesPEDRERO-ENCABO, ÁGUEDAhttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/667722024-03-18T20:05:17Z2024-01-01T00:00:00ZLa llamada Teoría de tópicos ofrece una propuesta alternativa a los análisis de tipo descriptivista al facilitar una vía de acceso intersubjetivo a la significación musical. Fue inicialmente expuesta por Ratner (1980), quien reconoce el empleo de un vocabulario común (topoi) de temas musicales, figuras o gestos expresivos de manera convencional por los compositores del siglo XVIII que refleja los referentes expresivos y extramusicales del contexto en el que son creados. Este trabajo realiza un análisis de una obra española para órgano, una tocata de batalla. Este género, que se desarrolló desde el siglo XVI como tiento de batalla, presenta por definición una composición de carácter semántico, es decir, con alusiones, tanto de tipo mimético como indexical e incluso simbólico, a las acciones, afectos y lecturas propagandísticas de la obra, respectivamente. El análisis de la Tocata de clarines con un pedazo de timbales de Vicente Rodríguez (1690-1760) ofrece un ejemplo del cambio de estética que se produce en su época: frente a la unidad estilística que caracterizó el género en el Barroco, en esta pieza se observa un dramático contraste a través del empleo de los tópicos. La disposición de estos y sus referencias extramusicales a lo largo de toda la obra permiten reconstruir su discurso narrativo.
La Tocata, probablemente compuesta en torno a las primeras décadas del siglo, revela la recepción de los tópicos canónicos propios del estilo galante pan-europeo, que se integran con figuras de batalla propias de la tradición hispánica. La lectura de estos tópicos y sus mixturas ofrece una interpretación de sus significados convencionales, a través del contexto histórico de la ciudad de Valencia y durante un período relevante para el de asentamiento de la monarquía borbónica tras la Guerra de Sucesión (1702-1713).
2024-01-01T00:00:00ZEntre lo sacro y lo profano: oposición y mixturas tópicas en dos sonatas de Domenico Scarlatti (K497 y K239)PEDRERO-ENCABO, ÁGUEDAhttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/667712024-03-18T20:05:16Z2024-01-01T00:00:00ZLa diversidad estilística que recorre el extenso corpus de sonatas de Domenico Scarlattti (1685-1757) en su conjunto (Pestelli, 1967) y que se observa internamente en muchas de ellas (heteroglossia en Sutcliffe, 2003) presenta un atractivo reclamo para abordar un análisis enfocado en el principio de referencialidad expresiva o extramusical que propone la teoría de los tópicos (topic theory). Esta teoría se ha consolidado en los últimos años como una consistente vía de análisis que permite el reconocimiento en las obras musicales de materiales temáticos (figuras, gestos retóricos…) convencionales o lugares comunes usados por los compositores, y además, facilita el acceso a su significación. Bajo este nuevo enfoque y tomando como referencia el concepto de tropización, desarrollado por Hatten (1994, 2004) y de oposición tópica de Allanbrook (1983, 2014), se ofrece una alternativa a la visión formalista de la sonata scarlattiana.
Se han seleccionado dos sonatas, K 497 y K 239, que combinan tópicos alusivos a la música sacra y al baile popular de diferente modo. Se analizan las ocurrencias de cada tópico, el innovador empleo de tropos y la construcción discursiva de cada sonata. El juego que hace Scarlatti de los diferentes tópicos y su referencialidad semántica proporciona una nueva concepción de estas sonatas.
2024-01-01T00:00:00ZUna aproximación a la significación de la sonata a través de la interacción de schemata y tópicosPEDRERO-ENCABO, ÁGUEDAhttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/667702024-03-18T20:05:15Z2023-01-01T00:00:00ZEl objetivo de este trabajo es realizar una aproximación a la significación de una sonata a través del análisis interconectado de schemata y tópicos. Se ha escogido la obra del compositor Manuel Blasco de Nebra (1750 - 1784) ya que cumple varias de las exigencias para la realización de un análisis de estas características. En primer lugar, se observa a priori en su producción de sonatas el empleo de schemata (patrones cognitivos melódico-armónicos) de un modo consistente. En segundo lugar, refleja un estilo propio, en el que, además, se confirma la recepción de los tópicos canónicos del lenguaje internacional. Por último, presenta una escritura original a nivel formal, lo que representa una innovación en el discurso narrativo de sus obras. En este trabajo se toma la Sonata en Re Mayor (E-MO 2998) como paradigma para profundizar en la planificación discursiva de sus dos movimientos, Adagio y Allegro a través de un análisis de los schemata y su relación con los referentes extra-musicales de los tópicos. El resultado muestra las innovadoras estrategias del compositor, tanto en la formulación de nuevos tópicos como en la manipulación métrica, armónica o rítmica de los schemata canónicos modulando la significación de la sonata.; ABSTRACT
This work aims to make an approach to the signification of a keyboard sonata through an interlinked analysis of musical schemata and topics. The work of the composer Manuel Blasco de Nebra (1750 - 1784) has been chosen because it meets several of the requirements for this kind of analysis. First, he makes use of schemata (melodic-harmonic cognitive patterns) in his compiled sonatas in a consistent way. Furthermore, Blasco de Nebra reflects a stylistic language of his own, in which the reception of the canonical topoi of the international language is also confirmed. Finally, he develops an original writing at a formal level, which reveals an innovation in the narrative discourse of his works. A Sonata in D Major (from E-MO 2998) is taken here as a paradigm, to deepen its discursive planning in both two movements, Adagio and Allegro, through an interconnected analysis of the schemata and their relationship with the extramusical referents of the topics. The result shows the composer's innovative strategies, both in the formulation of new topics and in the metrical, harmonic, or rhythmic manipulation of the canonical schemata modulating the meaning of the sonata.
2023-01-01T00:00:00ZEl estilo popular de Domenico Scarlatti a través de la Sonata K108Pedrero-Encabo, Águedahttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/667692024-03-18T20:05:16Z2024-01-01T00:00:00ZEl presente trabajo aborda un análisis de los rasgos identitarios del estilo popular español en la obra de Domenico Scarlatti (1685-1757), a través de una sonata hasta ahora sin mencionar en este sentido. La Sonata en Sol menor, K108 contiene varios elementos que permiten identificar el ‘modus operandi’ de Scarlatti en relación a su apropiación de recursos típicos del lenguaje y los bailes de carácter popular.
En la sonata destaca el empleo de secciones modales basadas en la reiteración del tetracordo descendente frigio, típico de la cadencia andaluza. Estas se alternan con secciones tonales a base de secuencias de quintas al estilo de Corelli. Un contraste que permite establecer una conexión con el principio estructural del fandango antiguo, asentado en la alternancia de estribillo y coplas. Aunque no es posible saber cómo sería este baile del fandango andaluz a principios del siglo XVIII, ya que su música circuló de forma oral, algunos de los rasgos de la Sonata K 108 pueden servir para establecer una conexión con el decimonónico fandango del sur, asentado en la estructura contrastante modal-tonal y marcado por la recurrencia de la cadencia andaluza.
2024-01-01T00:00:00ZThomae Ludovico de Victoria. Motecta que partim quaterim (Venecia, 1572)Aguirre Rincón, María Soterrañahttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/667412024-03-15T20:00:33Z2015-01-01T00:00:00ZLa Nueva Edición Victoria (NEV) conjuga edición crítica y funcionalidad práctica. Se presentan con una cuidada estética y en open access alojada en el Centro de Estudios Tomás Luis de Victoria (CEV). Este volumen es resultado de la colaboración entre Soterraña Aguirre -también coordinadora de la NEV- y Joao Figueiredo, ganador de la beca Abvlensis, auspiciada por el festival que le da nombre. Se ocupa de las 14 obras a 4 voces recogidas en la edición princeps de Tomás Luis de Victoria de 1572. Su aparato crítico, en bilíngüe -español e inglés-, informa que se toma como fuente matriz la citada, sirviendo los restantes impresos de época como testimonios complementarios; una perspectiva interesante. Se ofrece, así mismo, un estudio de los textos de los motetes que aporta significativas pruebas en relación a la cronología de creación de algunos de ellos. Cada motete está precedido también de su propio comentario crítico dedicado a consignar las variantes musicales y textuales; la edición de su texto y su traducción a tres idiomas, así como otra serie de informaciones referentes a su localización litúrgica, tono, etc.
Abstract:
The New Victoria Edition (NEV) combines critical editing and practical functionality. They are presented with a careful aesthetic and in open access hosted by the Centro de Estudios Tomás Luis de Victoria (CEV). This volume is the result of a collaboration between Soterraña Aguirre -also coordinator of the NEV- and Joao Figueiredo, winner of the Abvlensis grant, sponsored by the festival of the same name. It deals with the 14 four-voice works collected in the 1572 edition princeps of Tomás Luis de Victoria. Its critical apparatus, in bilingual -Spanish and English-, informs that it takes the aforementioned edition as the main source, with the remaining printed works of the period serving as complementary testimonies; an interesting perspective. A study of the texts of the motets is also offered, which provides significant evidence regarding the chronology of the creation of some of them. Each motet is also preceded by its own critical commentary dedicated to the musical and textual variants, the edition of its text and its translation into three languages, as well as other information regarding its liturgical location, tone, etc.
2015-01-01T00:00:00ZContextos interpretativos del Renacimiento: dos casos de estudio en tierras castellanasAguirre Rincón, María Soterrañahttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/667132024-03-15T20:00:28Z2011-01-01T00:00:00ZInvestiga la música que pudo sonar y sus implicaciones ideológicas durante el viaje de Carlos V por tierras castellanas en 1518, recién nombrado rey de Castilla; así como la que pudiera haber escuchado en el palacio de los Condes de Miranda (Peñaranda de Duero). El trabajo se fundamente en las crónicas de viajeros de inicios del XVI y en los fondos conservados o identificados de manuscritos e impresos de época.
2011-01-01T00:00:00ZEscenografía de una ópera española: Margarita la TorneraPeruarena Arregui, Juanhttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/664372024-02-28T20:00:31Z1997-01-01T00:00:00ZEl estreno de Margarita la Tornera, leyenda lírica en tres actos con libreto de Carlos Fernández Shaw y música de Ruperto Chapí, la noche del 24 de febrero de 1909, se revela como un acontecimiento teatral de primer orden, no sólo por constituir un nuevo esfuerzo en el azaroso camino de la ópera española, sino porque, además, tenía lugar en el Teatro Real, tradicionalmente poco permeable al repertorio nacional. Si atendemos a las estadísticas que proporcionan algunos estudios sobre el Real madrileño, entre su inauguración, acaecida el 19 de noviembre de 1850, y 1925, comprobamos que se programan tan sólo treinta y cuatro títulos españoles (once de ellos ya estrenados) de dieciséis autores, en un total de ciento sesenta y una funciones. De todas estas obras es Margarita la Tornera la que más veces se representó, con un total de diecinueve pases, lo que atestigua un interés y favor del público a los que no fueron ajenos los particulares de la producción, la envergadura de su realización escénica, el aparato escenográfico y hasta los efectos especiales implementados para la consecución de un espectáculo a todas luces extraordinario.
1997-01-01T00:00:00ZLos sobrinos del capitán Grant y su estreno en Valladolid. Algunas consideraciones escénicasPeruarena Arregui, Juanhttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/664362024-02-28T20:00:26Z1997-01-01T00:00:00ZLa obra de Ramos anión con música de Fernández Caballero Los sobrinos del capitán Grant, versión de la novela de aventuras de JulioVeme, fue estrenada en Madrid el 25 de agosto de 1877 por la compañía de Los Bufos Madrileños y tardó cuatro años en llegar a Valladolid, presentándose en el teatro Calderón el 10 de febrero de 1881.En el género bufo, la escenografía se revela como uno de sus fundamentos constitutivos, en tanto envuelve y arropa una trama marcada por la necesidad de crear espectáculo en cuanto define su misma concepción estructural. La atención hacia aspectos puntuales de las decoraciones elaboradas por el taller de Bussato y Bonardi para el estreno de esta zarzuela ha permitido una aproximación a su estética, a su visualidad y a algunas otras cuestiones tales como la utilización propagandística del aparato escénico como elemento de atracción al espectador, la acogida en la capital, su repercusión en provincias y su incidencia en el éxito de la obra.
1997-01-01T00:00:00ZUn “espíritu español” en México: historia y dodecafonismo en Rodolfo Halffter durante los años cincuentaVillar Taboada, Carlos Joséhttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/663972024-03-20T13:03:34Z2023-01-01T00:00:00ZRodolfo Halffter (1900-1987), uno de los más destacados compositores del madrileño Grupo de los Ocho, del entorno generacional del 27, amplió su carrera compositiva en México, adonde se exilió tras la Guerra Civil. Allí investigó las posibilidades expresivas y constructivas de la serie dodecafónica, desde una perspectiva personal que no cesó de manifestar vínculos hacia lo español, mediante la alusión a diversos elementos del pasado. Su particular fusión entre vanguardia, tradición popular y raíz histórica es un lugar común en la bibliografía previa, pero es posible progresar en el conocimiento de su técnica indagando más allá de los procedimientos más superficiales. Se propone un acercamiento analítico que, sin rehuir de aspectos puntuales de la Topic Theory, acude esencialmente a la teoría atonal y dodecafónica para desentrañar procedimientos significativos de sus guías en la ordenación estructural. Se redescubre entonces su pensamiento compositivo, fundamentado en el clasicismo historicista, pero revestido de novedad gracias a una apuesta por la serie presumiblemente conocedora de los modelos de la Segunda Escuela de Viena. Desde un enfoque atento a la destilación de gestos neoclásicos en la técnica dodecafónica del compositor, se examina una selección de su repertorio creado durante los años cincuenta, una música de original “espíritu español”.
2023-01-01T00:00:00ZUn manuscrito para un convento. El «LIbro de música» dedicado a Sor Luisa de la Ascensión en 1633. Estudio y edición críticaAguirre Rincón, María Soterrañahttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/663962024-02-26T20:00:44Z1998-01-01T00:00:00ZEl estudio parte del «Libro de música dedicado a Sor Luisa» observado como objeto material y tecnológico, para después comprenderlo mediante la teoría comunicativa de Bajthin, a través de los principales agentes que lo conformaron. Sor Luisa de la Ascensión, música -nieta de Antonio de Cabezón-, consejera de estado, impulsora de dogmas y monja emblemática cuya biografía se ajusta a las hagiografías que la historia social ha estudiado. El copista, instrumentista y selector del repertorio que, a través de ella, aspira a alcanzar la protección Divina. Como trasfondo el convento de clarisas de Carrión de los Condes, cuyas mujeres se encargaron de interpretar -y esto es destacado- el repertorio litúrgico contenido en el manuscrito. Las composiciones, a priori anónimas, son la mayoría creaciones polifónicas, ya entonces canónicas, adaptadas a mujeres, lo que permite hoy en día seguir su ejemplo y transforma un repertorio para hombres, en un repertorio femenino.
The study starts with the "Book of music dedicated to Sister Luisa" observed as a material and technological object, in order to understand it by means of Bajthin's communicative theory, through the main agents that shaped it. Sister Luisa de la Ascensión, musician -granddaughter of Antonio de Cabezón-, councillor of state, promoter of dogmas and emblematic nun whose biography conforms to the hagiographies that social history has studied. The copyist, instrumentalist and selector of the repertoire who, through her, aspires to reach the Divine protection. As a background, the convent of Poor Clares in Carrión de los Condes, whose women were in charge of interpreting - and this is a highlight - the liturgical repertoire contained in the manuscript. The compositions, a priori anonymous, are mostly polyphonic creations, already canonical at the time, adapted for women, which allows us today to follow their example and transforms a repertoire for men into a repertoire for women.
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1998-01-01T00:00:00ZSonidos en el silencio. Monjas y músicas en la España de 1550 a 1650Aguirre Rincón, María Soterrañahttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/663952024-02-26T20:00:37Z2004-01-01T00:00:00ZEl artículo realiza, de manera pionero, un estudio desde la perspectiva socio-cultural de las monjas músicas en la temprana Edad Moderna castellana. Indaga sobre el concepto de "honra" para la mujer; su salvaguardia en el claustro y el papel significativo que las músicas representaron dentro de estas mujeres monjas. Se argumenta también sobre el prestigio alcanzado por ciertos conventos gracias a sus sonidos, la tipología usual de intérpretes y sobre ciertos repertorios habitualmente no considerados como propios e su género.
This article is a pioneering study from a socio-cultural perspective of nun musicians in early modern Castilian Spain. It explores the concept of "honour" for women, its safeguarding in the cloister and the significant role that female musicians played among these nuns. It also argues about the prestige achieved by certain convents thanks to their sounds, the usual typology of performers and about certain repertoires not usually considered as proper to their genre.
2004-01-01T00:00:00ZDel significado a la identidad: estrategias compositivas y tópicos en José Luis TurinaVillar Taboada, Carlos Joséhttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/663912024-03-20T12:59:58Z2018-01-01T00:00:00ZSe asume como hipótesis de partida la capacidad del análisis para evidenciar
características de una identidad musical particular. Se persiguen dos objetivos: la presentación de
un modelo analítico propio, el análisis de la logoestructura, y su demostración práctica, mediante
su aplicación al análisis de la obra musical de José Luis Turina de Santos.
Con tal fin, se presenta una primera parte, de naturaleza teórica, que incluye una revisión
historiográfica y varias propuestas conceptuales y metodológicas. Se articula en tres apartados,
relativas al avance del formalismo al contextualismo —que avala la necesidad de adoptar una
perspectiva analítica semiótica—, la investigación sobre cómo se concretan los significados en
música mediante la teoría de los tópicos, inscrita en la semiótica musical de enfoque post-estructuralista,
y la propuesta de articulación analítica en torno a los conceptos de estrategias
compositivas, logoestructura e identidad.
En la segunda parte se toma como eje la producción de José Luis Turina, compositor que
ha manifestado un interés por los juegos de significados musicales que justifica su elección para
este ensayo. Se propone evaluar la utilidad de explorar tres estrategias compositivas presentes en
su música: la reinterpretación del pasado musical, las visitas al repertorio popular y el diálogo
con otras técnicas heterogéneas.
Como resultado de las implicaciones expresivas localizadas en los elementos estructurales,
la intersección de los significados generados configura una identidad musical particular, contextualizada
y postmoderna.
2018-01-01T00:00:00Z“Canto humano a media voz”: la obra para guitarra sola (1989-2002) de Claudio PrietoVillar Taboada, Carlos Joséhttps://uvadoc.uva.es/handle/10324/663902024-03-20T12:58:07Z2018-01-01T00:00:00ZClaudio Prieto fue autor de un importante repertorio para guitarra sola, estilísticamente homogéneo. Pertenece este, por cronología, a su última etapa compositiva, denominada "nuevo lirismo", que exhibió una marcada preocupación por la dimensión comunicativa de la música.
En este estudio se analizan estas obras confrontando su recepción entre la crítica, su condicionamiento ante las demandas de sus intérpretes y los vínculos poéticos y técnicos de cada pieza con la tradición tipológica en que se inscribe. Meteorológicamente, se ha adoptado un enfoque sensible a la dimensión semiótica de la música: se ha optado por desarrollar la perspectiva analítica de la semioestructura, en el marco del paradigma de la logoestructura, cuya aplicación se pone en práctica.
El texto se articula como un ciclo conceptual reflexivo, con partes dedicadas a la revisión historiográfica del nuevo lirismo, la evaluación del papel promotor de los intérpretes en la génesis de estas obras y el tratamiento poético y técnico de la guitarra.
2018-01-01T00:00:00Z